Acting and emotion - faire performer le dessin
Tout le monde peut dessiner un visage. Un artiste storyboard doit le faire agir - et l'animation est la meilleure école qui soit.
9 minute de lecture · une activité · leçon 11 de 21
Le travail d'un storyboard est de porter une performance qui n'a pas encore été réalisée. L'acteur n'est pas choisi. La caméra n'a pas encore tourné. Et pourtant, le producteur doit être capable de ressentir le moment.
Le livre appelle cela un algorithme artistique impossible - et ensuite énumère ce que vous tenez simultanément dans votre tête pour un seul cadre : le lieu, l'environnement, l'ambiance, le rythme narratif, l'action, le jeu, les accessoires, le produit, la distribution, la caméra, et la scène en constante évolution.
D'où voler
La réponse du livre est sans ambiguïté : DreamWorks, Pixar, Disney. Regardez comment ces artistes utilisent les sourcils, les yeux, la bouche et le langage corporel. Cela n'est égalé par aucune autre ressource.
L'animation est la discipline d'acteur la plus exigeante qui soit, précisément parce qu'elle est sur-exprimée - l'émotion n'a nulle part où se cacher. Apprenez-le là, à plein volume, puis baissez le volume pour l'action en direct.
Ensuite, regardez vos acteurs préférés, et observez comment la caméra les soutient. L'expression vit dans la magie entre ces deux éléments - performance et objectif - et vous dessinez les deux.
L'économie d'un visage de storyboard
Ne surchargez pas votre distribution de détails. Le livre est explicite : dessinez suffisamment de différences pour que le spectateur puisse les distinguer sans confusion, et pas plus. Lunettes, couleur des cheveux, forme du visage. C'est souvent tout le design de personnage dont un storyboard a besoin.
Et devenez rapide avec les yeux. C'est l'un des conseils les plus concrets de tout le livre, et l'un des plus sous-estimés : les yeux sont l'endroit où un personnage devient une personne.
Posez la question que personne ne pose
Demandez au réalisateur comment la scène AFFECTE la distribution en ce moment. Pas ce qu'ils font - comment cela les touche. Cette réponse change les sourcils, et les sourcils changent le cadre, et le cadre est ce qui remporte le pitch.
“Devenez rapide à dessiner des yeux. Cela sera la clé pour donner vie à vos personnages.”
- Mitchell James Hughes, Storyboard Art
Les yeux ont leur importance
Deux exercices : un pour la vitesse, un pour ce à quoi la vitesse sert.
- EXERCICE 1 - Yeux. Remplissez une page avec 40 paires d'yeux. Variez uniquement le sourcil : levé, froncé, un levé, plat, tendu. 30 secondes chacun. Faites cela chaque matin pendant une semaine et regardez ce qui arrive à vos visages.
- EXERCICE 2 - Une ligne, six lectures. Prenez une ligne de dialogue : 'Vous êtes en avance.' Dessinez le même personnage le disant six fois - ravi, suspicieux, épuisé, effrayé, ennuyé, amoureux.
- Changez UNIQUEMENT les sourcils, les yeux, la bouche et les épaules. Même cadrage, même personnage, même taille de plan.
- Montrez les six à quelqu'un avec les étiquettes cachées. Demandez-lui de deviner chaque émotion. Évaluez-vous sur six.
Ce que vous devriez avoir à la fin
Quarante paires d'yeux et six lectures d'une ligne. Tout ce qui est en dessous de 4/6 au test de devinette signifie que l'émotion est dans votre tête, pas sur le papier - ce qui est le seul endroit où cela compte.
Jour 11 en une ligne
Volez le jeu d'acteur de l'animation, puis réduisez-le. Gardez le casting suffisamment simple pour pouvoir les distinguer. Devenez rapide avec les yeux.
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